DIE BANDE DES GELBEN DRACHEN

DA SHA SHOU

Hongkong 1971

Regie:

Chor Yuen

Darsteller:

Tsung Hua,

Chin Han,

Wang Ping,

Chiang Nan,

Ching Miao,

Yang Chi-Ching,

Ku Feng,

Cheng Kang-Yeh

Inhalt:

Anfang des 20. Jahrhunderts: In einer chinesischen Kleinstadt floriert der Opiumschmuggel. Wang Hsin-Tien [Ching Miao], Leiter der Kung-To-Kampfkunstschule, will dem illegalen Treiben ein Ende bereiten und stört die Geschäfte der Schmuggler erheblich. Bandenmitglied Chiao Tzu-Fei [Chiang Nan] will ihn daher beiseite schaffen und ersinnt einen sinistren Plan: Er schreibt einen Brief an seinen ehemaligen Vertrauten Hsieh Chun [Tsung Hua], der die Stadt vor über 10 Jahren verlassen hat. Hsieh, einst Messerwerfer im örtlichen Zirkus und bekannt für sein aufbrausendes Temperament, wird von Chiao mit einer Lüge in die Irre geführt: Wang und seine Schüler, so die Behauptung, würden die Gegend tyrannisieren. Unwissend, dass sein früherer Freund der wahre Feind ist, mischt Hsieh daraufhin die Schule auf und verletzt einen der Männer schwer. Doch dann trifft er überraschend seine ehemalige Zirkuskollegin Yu [Wang Ping] wieder, die ihm ins Gewissen redet. Mehr noch: Auch sein damaliger Gefährte Ma [Chin Han], einst ebenfalls in die Ferne gegangen, um Arbeit zu finden, taucht plötzlich wieder auf. Inzwischen hat er Karriere bei der Polizei gemacht und nur ein Ziel: den Drogenhandel in seiner alten Heimat zu zerschlagen. Als Chiao erkennt, dass sein Täuschungsmanöver aufzufliegen droht, heckt er einen noch perfideren Plan aus: Er lässt mehrere von Wangs Schülern ermorden und schiebt Hsieh die Schuld in die Schuhe. Die Intrige trägt Früchte: Es dauert nicht lang, da stehen sich die einstigen Brüder Hsieh und Ma als Feinde gegenüber.

Kritik:

Im Jahre 1971 drehte Chor Yuen [→ DAS TODESDUELL DER TIGERKRALLE] für die Shaw Brothers diesen kompliziert erzählten, im Kern jedoch sehr simplen Kung-Fu-Krimi, für dessen Umsetzung man die bewährten Studiohallen und -areale augenscheinlich nur selten verließ. Viel Mühe in eine plausible Story investierte man dabei nicht. Das Skript wurde offenbar mit heißer Nadel gestrickt und steht auf ziemlich wackeligen Beinen. Bereits die Prämisse erscheint recht seltsam, wird hier doch offenbar ein kompletter Ort ausschließlich von der örtlichen Kung-Fu-Schule verwaltet und kontrolliert. Würde die Geschichte gut 100 Jahre früher spielen, wäre das nicht einmal allzu weit hergeholt, aber für die abgebildete Zeit (vermutlich so um 1910 rum) erscheint die generelle Abwesenheit von Staat und Behörde nur wenig schlüssig. Aber weil das hier nun einmal der Fall ist, muss sich der örtliche Kung-Fu-Lehrer Wang höchstpersönlich um die Verbrechensbekämpfung bemühen. Direkt in der Eröffnungssequenz überfallen er und seine Schüler daher einen Drogentransport durch die Botanik, verteilen tüchtig Keile und verbrennen die heiße Ware noch an Ort und Stelle. Wie sinnvoll es ist, massenhaft Opium in Brand zu stecken, während man direkt danebensteht, wird bei der Gelegenheit leider nicht beantwortet.

Was dann folgt, ist dermaßen an den Haaren herbeigezogen, dass guter Wille allein kaum ausreicht, um die Konstruiertheit der Ereignisse ignorieren zu können. Denn die Idee, die der schurkische Schmuggler Chiao ausheckt, um Wang (buchstäblich) ans Messer zu liefern, ist schlichtweg hanebüchen: Er lockt seinen früheren Freund Hsieh in die Stadt, füttert ihn mit Falschinformationen, wonach Wang und seine Kung-Fu-Kollegen brutale Bösewichter sind, und hofft dann einfach darauf, dass dieser den Gegner aufgrund seines hitzigen Temperaments im Alleingang auslöscht. Ein einziges klärendes Gespräch mit dem vermeintlichen Feind hätte freilich schon ausgereicht, um das fragile Lügenkonstrukt in sich zusammenbrechen zu lassen, und in der Realität wäre es fraglos auch so gekommen. Aber in dieser Welt erlaubt das natürlich das Drehbuch nicht, weswegen Chiaos zweifelhafter Plan zunächst tatsächlich aufzugehen scheint. Als sich die Dinge dann doch anders entwickeln als erhofft, richtet Chiao ein Massaker an und schiebt Hsieh dafür die Schuld in die Schuhe. Das geschieht jedoch auf solch plumpe Weise, dass dabei auch noch das letzte bisschen Glaubwürdigkeit über Bord geht: Er lässt einfach Hsiehs Zeichen auf die Mordwerkzeuge gravieren, was als Beweis genügen soll (und es laut Skript auch tut). Wie ausgefuchst! Warum hat er nicht gleich noch dessen Visitenkarten nachgedruckt und den Leichen in die Taschen gesteckt?

Schluckt man diese haarsträubenden Ideen, dann funktioniert DIE BANDE DES GELBEN DRACHEN allerdings ziemlich gut. Einen nicht erheblichen Anteil daran haben die stilsichere Inszenierung Chor Yuens und die energiegeladenen Kampfsequenzen. Für letztere war Yuen Wo-Ping [→ THE GRANDMASTER] verantwortlich, der damit eine seiner ersten Arbeiten ablieferte, viele Jahre, bevor er zum wohl bekanntesten Choreographen Asiens – vielleicht sogar der Welt – aufstieg. Von der späteren Perfektion ist er hier zwar noch entfernt, aber wenn sich die Kämpfer gegenseitig schwungvoll in und durch die Requisiten schleudern, besitzt das schon eine Menge destruktiver Wucht. Zwar gleichen sich die Bilder ziemlich und die Masche wird auch kaum variiert, aber unterhaltsam (und nicht zuletzt von allen Beteiligten gekonnt dargeboten) ist das Schauspiel allemal. Reichen die eigenen Extremitäten zur Verteidigung nicht mehr aus, werden überwiegend Messer gezückt. Das führt hin und wieder zu recht blutigen Ergebnissen, wobei diese nicht einmal ansatzweise so intensiv zelebriert werden wie z. B. bei DUELL OHNE GNADE oder DER PIRAT VON SHANTUNG, zwei weiteren Shaw Brothers-Werken mit leidenschaftlicher Messer-Macke. Die Wahl dieser Waffe ergibt in Anbetracht der Vergangenheit der Hauptfigur auch absolut Sinn, denn einst war Hsieh, mehrere Rückblicke verdeutlichen es, Messerwerfer der ansässigen Zirkusfamilie. Dementsprechend trägt er seine Wurfwerkzeuge nun wie Patronen am Gürtel mit sich herum, was schon ziemlich lässig rüberkommt. Dabei schleudert er seine Klingen überwiegend jedoch nicht, um seinen Gegnern das Lebenslicht auszupusten, sondern lediglich, um sie irgendwo festzunageln.

Die Qualitäten DIE BANDE DES GELBEN DRACHENs erschöpfen sich allerdings nicht allein in der Darbietung gewalttätiger Konfrontationen. Genaugenommen sind es gerade die leisen Zwischentöne, die das Interesse wecken und halten können. Denn hinter der harten Oberfläche schimmert dezent der zarte Zauber nostalgischer Wehmut. Ein sentimentaler Schleier schwebt über dem Geschehen, wenn der verlorene Sohn heimkehrt an die Stätte seiner Jugend, auf alte Weggefährten trifft und längst vergessen geglaubte Sorgen, Hoffnungen und Sehnsüchte neu erwachen. Durch böse manipulierende Mächte im Hintergrund droht die glückliche Zukunft des schließlich im Zentrum stehenden Dreiergespanns auf ewig zu zerbrechen und einstige Freundschaft zu Feindschaft zu werden. Geschickt wird dabei unterschwellig auf der Gefühlsklaviatur geklimpert, wenn Begegnungen und Aussprachen beispielsweise an Orten stattfinden, die sinnbildlich für die Vergangenheit stehen. Wie das Zirkuszelt, einst gemeinsames Domizil, mittlerweile alt, abgerockt und verlassen - ein Relikt verblichener Tage, wie die Figuren selbst. Oder wenn wiederkehrend die Seerose ins Bild gerückt wird, als Symbol für die Verbundenheit und unterdrückte Liebe zwischen Hsieh und Yu, die als einzige aus dem Trio in der Heimatstadt verblieb. Dass zwischen Hsieh und Ma, dem Dritten aus der Zirkusfamilie, ein latenter Wettbewerb um ihre Gunst besteht, wird dabei ebenfalls lediglich angedeutet, nie verbalisiert. Aber wenn die einstigen „Brüder“ sich am Ende, durch Lüge und Intrige aufeinandergehetzt, auf unterschiedlichen Seiten zum Duell gegenüberstehen, dann ist zu vermuten, dass sie auch durch eine verkappt schwelende Rivalität bezüglich der Zuneigung Yus angetrieben werden.

Der Umstand, dass genug Interpretationsspielraum gelassen wird und das Publikum nicht alles aufs Butterbrot geschmiert bekommt, ist eine der großen Stärken DIE BANDE DES GELBEN DRACHENs, der seine eingangs erwähnten Defizite gut auszugleichen versteht. Die Inszenierung ist durch und durch sauber, die Bilder sind prall gefüllt und die Sets werden stilsicher ins rechte Licht gerückt. Dazu wimmelt es von Statisten und ständig in der Luft hängender Rauch sorgt für eine stimmungsvolle Atmosphäre. Lediglich bei der Hafenkulisse war man ein wenig zu sorglos und ließ die Darsteller einfach vor einer einfarbigen Wand agieren, was nicht besonders überzeugend aussieht. Dass am Ende urplötzlich mit Schusswaffen hantiert wird und ein japanischer Strippenzieher die Bühne betritt, will auch nicht so recht ins Bild passen und soll Resultat einer kurzfristigen Planänderung sein. Grund dafür war angeblich der bahnbrechende Erfolg FIST OF FURYs, in dem es Knochenbrecher-Koryphäe Bruce Lee ebenfalls mit Scharlatanen aus Nippon zu tun bekam. Da dieses Feindbild deswegen gerade mächtig in Mode war, so heißt es, entschied man sich für Storyänderungen und Nachdrehs, die das ursprüngliche Konzept ein wenig auf den Kopf stellten. Das klingt zwar zunächst plausibel, zumal ein Stilwechsel zum Finale nicht zu leugnen ist und der Auftritt des schwertschwingenden Ku Fengs [ → DIE TÖDLICHEN ZWEI] als neuer Endgegner doch arg forciert wirkt. Allerdings scheint DIE BANDE DES GELBEN DRACHEN das Licht der Leinwand doch ein paar Wochen früher erblickt zu haben als FIST OF FURY, was die Behauptung ein wenig widersprüchlich macht.

Als echtes Ärgernis entpuppt sich die deutsche Sprachfassung, welche Hintergründe und Motivationen der Figuren nach Lust und Laune umdeutet, was die ohnehin nicht sonderlich plausible Story endgültig ins tiefe Tal der Verwirrung führt. In dieser Version ist Hsieh nicht etwa ein Messerwerfer, der nach vielen Jahren an den Ort seiner Jugend zurückkehrt, sondern ein externer Auftragsmörder, der von Chiao extra engagiert wird, um dessen Feinde auszuschalten. Dass beide Männer sich eigentlich von früher kennen und ein altes Schuldverhältnis zwischen ihnen besteht, wird komplett unterschlagen, wie auch die Tatsache, dass die Ereignisse in Hsiehs alter Heimat stattfinden. So wirkt es nun, als laufe er seinen ganzen alten Freunden und Bekannten hier rein zufällig über den Weg. Auch verliert dadurch natürlich nahezu alles an Bedeutung, seien es die symbolträchtigen Orte, wie das zerfallene Zirkuszelt, oder die nun regelrecht zweckfreien Rückblenden in Hsiehs Schaustellervergangenheit. Warum Chiao, in der deutschen Version simpler Auftraggeber eines Attentats, seinem Bediensteten einen Bären bezüglich der Zielpersonen aufbindet, erscheint zudem ebenso nebulös wie der Umstand, dass Hsieh, angeblich ja ein Killer mit Mordmission im Gepäck, tatsächlich niemanden umbringt, sondern einfach nur ein wenig Wirbel veranstaltet. Da man in dieser Fassung außerdem versucht war, es so aussehen zu lassen, als habe die eigentlich unschuldige Kung-Fu-Schule tatsächlich irgendwie Dreck am Stecken, ergibt am Ende kaum noch etwas einen nachvollziehbaren Sinn.

Wenngleich auch im Original erzählerisch alles andere als stressresistent, punktet DIE BANDE DES GELBEN DRACHEN am Ende mit seiner eleganten Mixtur aus Stil, Action und emotionaler Tiefe. Nicht jeder Wurf ist ein Treffer. Aber jeder Treffer sitzt.

Laufzeit: 90 Min. / Freigabe: ungeprüft

BOLO - VIER FÄUSTE IM WILDEN OSTEN

BAI MA HEI QI

Hongkong 1977

Regie:

Yeung Sze

Darsteller:

Yeung Sze/Bolo Yeung,

Pai Piao/Jason Pai,

Mi Lan,

Chin Yuet-Sang,

To Siu-Ming,

San Kuai,

Lau Yat-Fan,

Tsang Chi-Wai/Eric Tsang

Yeung Sze ist Kult! Und das, obwohl ihn keiner kennt. Gut, zumindest nicht unter diesem Namen. Auch Yang-Sze-, Yeung-Shut-, Yang-Szu-, Yeung-See-, Yang-Tze-, Yung-Sze-, Ywung-Sze-, Yang-Tse-, Young-Sy- oder Yang-Sa-Fans trifft man eher selten. Der Name des als 양사 in der chinesischen Provinz Guangdong geborenen Martial-Arts-Darstellers wurde auf alle erdenkliche (Schreib-)Weisen transkribiert. Berühmtheit erlangte er am Ende allerdings mit dem wohl am albernsten klingenden Pseudonym. Denn nachdem der Kampfkünstler und Gewichtheber nach zahlreichen Statistenrollen für die Shaw Brothers einen blutrünstigen Schurken im ersten amerikanischen Bruce-Lee-Brüller DER MANN MIT DER TODESKRALLE (1973) verkörperte, wurde er quasi über Nacht weltbekannt. Und da seine Figur im Film „Bolo“ hieß, was nicht nur einprägsam ist, sondern international auch gut von Lippe und Zunge geht, war das ab sofort sein Künstlername: Bolo Yeung.

Bruce Lee selbst starb noch, bevor er Teil seines eigenen Welterfolgs werden konnte. Als nach dessen frühen Tod eine ganze Wagenladung an Bruce-Lee-Imitatoren auf die Leinwände geschüttet wurde, gehörte auch Bolo Yeung zum Stammpersonal und festigte aufgrund seines außergewöhnlichen Erscheinungsbilds somit seine Popularität. Ob es ihn gestört hat, dabei fast ausschließlich auf die Rolle des brutalen Bösewichts festgenagelt worden zu sein? Möglich, denn sein erstes Werk unter eigener Regie präsentiert ihn beinahe gänzlich anders. Geblieben ist lediglich sein Name, der dieses Mal – Marketing ist die halbe Miete! – auch direkt als ganzer Titel herhalten darf: BOLO!

Inhalt:

In einem kleinen chinesischen Dorf ist das Amt des Sheriffs gleichbedeutend mit einem Todesurteil: Wer ernsthaft für Recht und Ordnung eintritt, wird schnell einen Kopf kürzer gemacht – was durchaus wörtlich zu verstehen ist. Als den Zuständigen mal wieder ein Ordnungshüterhaupt vor die Füße kullert, wird beschlossen, Feuer mit Feuer zu bekämpfen. Denn wer kann Gangstern am besten Einhalt gebieten? Natürlich! Andere Gangster! Und so wird angeordnet, alle Knastinsassen Strohhalme ziehen zu lassen. Zwei Gewinner dürfen das Gefängnis verlassen und Gesetzeshüter werden. Das Schicksal entscheidet sich für den schlitzohrigen Sprücheklopfer Ma [Jason Pai Piao] sowie das grobschlächtige Muskelpaket Bolo [Bolo Yeung Sze], die bereits im Bau aneinandergeraten sind und sich nach Freilassung erst einmal ein Kung-Fu- und Artistik-Duell liefern, um die Fronten zu klären. Im Dorf angekommen, stellen sie fest, dass hier wirklich die Unmoral regiert. Sogar der Bürgermeister ist in Menschenhandel verwickelt und wer diesbezüglich auspacken will, endet aufgeknüpft an der Laterne. Ma und Bolo müssen sich im wahrsten Sinne zusammenraufen, um ihre Haut zu retten und der Gerechtigkeit zum Siege zu verhelfen.

Kritik:

Obwohl der Titel eigentlich Bolo-Solo-Action verspricht, macht bereits der Beginn klar, dass man sich hier im Genre des Buddy-Movies bewegt, das zwei ungleiche Protagonisten zusammenschweißt, um sie durch dick und dünn gehen zu lassen. Dabei durchziehen von Beginn an (der deutsche Zusatztitel deutet es dezent an) signifikante Spencer-/Hill-Schwingungen das Szenario, sind Grundgerüst und Duktus doch eindeutig angelehnt an die Kassenerfolge des populären Prügel-Duos aus Italien. Während Jason Pai Piao [→ DER TODESSCHREI DES GELBEN TIGERS] als schlaksiger Charmeur durchaus passabel den asiatischen Kung-Fu-Hill mimt, ist Bolo Yeung als dessen Kompagnon und bud-spenceriger Kaventsmann kaum wiederzuerkennen. Seine Gesichtsbehaarung und das ebenso tumbe wie gutmütige Auftreten hat mit seinen früheren Rollen als furchteinflößender Knochenbrecher nichts mehr gemein. Zwar ist Yeung – im Gegensatz zu seinem offensichtlichen Vorbild und anders als im Dialog mehrmals behauptet – tatsächlich „nur“ kräftig und nicht dick. Aber diese bis dahin unbekannte Facette steht dem Berufsbösewicht doch erstaunlich gut und es ist genau dieses Gegen-das-Image-Agieren, aus dem BOLO seinen hauptsächlichen Reiz bezieht.

Das ist auch dringend notwendig, denn Reize, zumindest positiver Art, sind bei dieser Veranstaltung eher Mangelware. Man hatte zwar eine interessante Idee, aber offenbar keine Ahnung, was man aus ihr machen sollte. Schon die Prämisse ist freilich denkbar hanebüchen. Dass Knastvögel aus dem Bau herausrekrutiert werden, um aus ihnen ein Himmelfahrtskommando zu formieren, das kennt die Leinwand spätestens seit DAS DRECKIGE DUTZEND zur Genüge. Aber dass verurteilte Verbrecher freigelassen werden, um als Gesetzeshüter andere Verbrecher zur Strecke zu bringen (noch dazu mit der Ermahnung, bloß nicht Fersengeld zu geben), das hat schon eine ganz neue Quatsch-Qualität. Allerdings ist BOLO eine Komödie, da geht eine solch absurde Ausgangssituation durchaus klar. Viel ernüchternder ist es, wie wenig aus dieser Basis herausgeholt wurde, obwohl die Trümpfe doch eigentlich schon in der Hand lagen.

Denn was offenbar nicht in der Hand lag, war ein vernünftiges Drehbuch. Erzählerische Höchstleistungen erwartet sicherlich niemand, aber die Ereignisse BOLOs sind insgesamt so zusammenhanglos und sinnbefreit, dass es teils absurde Ausmaße annimmt. Bereits der Einstieg ist äußerst ungelenk, wenn Ma und Bolo (die ja eigentlich Sympathiefiguren sein sollen) einem blinden Mann sein Fahrzeug klauen – völlig grundlos übrigens, denn der Alte hatte sich längst dazu bereit erklärt, die beiden an ihr Ziel zu bringen. Im Dorf angekommen, gehen die Protagonisten als Erstes ins Bordell, das von Eric Tsang [→ SEVEN ASSASSINS] in Frauenkleidern geführt wird, der Bolo schließlich in einer viel zu langen Sequenz im albernen „Hühner-Stil“ attackiert, weil er glaubt, dieser wolle die Zeche prellen. Ma indes trifft vor Ort eine alte Bekannte aus früheren kriminellen Tagen und quetscht sie um den Verbleib mehrerer Goldbarren aus – vermutlich Beute aus Raubzügen, von der das Publikum an dieser Stelle auch zum ersten Mal hört. Ist das narrativ alles bereits arg fragmentarisch, wird es im weiteren Verlauf regelrecht chaotisch. Immer mehr seltsame Figuren bevölkern das Szenario, die so lang sonderbare Dinge tun und lassen, bis man schlichtweg aufgibt, nach Sinn und System zu suchen.

In einem Moment bittet eine Mutter den Titelhelden Bolo, kurz ihr Baby im Arm zu halten, um Wasser holen zu können, was er mit Freuden tut. Dann kommt die Frau zurück, rammt ihm ein Messer in den Bauch und kratzt mit Kind die Kurve. Daraufhin taumelt Bolo in eine Praxis, wo der Arzt ihn verbindet. Plötzlich befindet sich die Attentäterin aber im Nebenbett und Bolo merkt, dass der Arzt ihn auf ein Brett gefesselt hat. Dann kommt der Doktor zurück und beide liefern sich einen Kampf, den Bolo schließlich gewinnt, woraufhin der Besiegte sich ein weißes Pulver ins Gesicht schüttet – vermutlich, weil er in dem Krug, den er sich an den Mund setzte, etwas anderes erwartet hatte. Wenn man chinesische Schriftzeichen lesen könnte, wüsste man wohl auch, was. Dass sich einem dadurch auch der Sinn der ganzen Sequenz erschließt, darf jedoch bezweifelt werden. An anderer Stelle gerät ein Wirt mit seinem Gast in Streit, weil dieser gerade aus den USA zurückgekommen ist und nun lauter Zeug bestellt, das in China gar nicht auf der Karte steht. Darum legt der Kellner ihm nahe, zu verschwinden, was ebenfalls in einer minutenlangen Prügelei mündet, die nachfolgend wirklich gar keine Relevanz für irgendetwas hat. Später machen Ma und eine Frau dann noch ein Spiel, dessen Regeln wahrlich schleierhaft sind: Sie rufen scheinbar zufällig Zahlen in den Raum, halten dazu ihre Hände hoch und sagen zeitgleich noch ein Gedicht auf, bei dem sich (zumindest in der Synchronisation) überhaupt nichts reimt. 

Ein Erklärungsansatz für derlei Gaga-Momente ist, dass ein Großteil des Humors sich auf kulturelle Eigenheiten des Entstehungslandes bezieht und daher schlichtweg nicht übertragbar war. Begleitet wird die Show dabei stets von weiteren Elementen, die das komödiantische Hongkong-Kino weltweit berühmt-berüchtigt gemacht haben, wie wildes Grimassenschneiden, Schielen, Lispeln, Augenrollen und sonstige Attribute. Das sägt teils schon sehr an den Nerven. Zu allem Überfluss sind auch die Kampfszenen – also der in der Regel eigentliche Grund, weswegen man sich so etwas überhaupt ansieht – ausnehmend schlecht umgesetzt. Die beiden Hauptdarsteller selbst sorgten für die Choreographien und das Ergebnis ist alles andere als überzeugend. Nichts hier sieht nach echtem Schlagabtausch aus. So bleibt am Ende nicht mehr als eine Abfolge wirrer Szenen, bei der sich kaum etwas im Einklang befindet. Dazu passend ist die deutsche Synchronisation nicht nur technisch miserabel und vermutlich von Amateuren im Wohnzimmer zurechtgekloppt, sondern in Sachen Dialog oftmals ebenfalls ein Mysterium, bei dem die Wörter – sofern man sie denn überhaupt versteht – einfach nicht zusammenpassen wollen. Dennoch – und das mag nun verblüffen – vertreibt BOLO die Zeit doch einigermaßen passabel und ist nicht nur trotz, sondern auch dank aller Eigenarten ein angenehm-kauziger Blick in die teils absurden Elaborate des damaligen Bahnhofskinos. Hin und wieder muss so eine kleine Kuriosität am Rande einfach mal sein. Und Yeung Sze bleibt Kult!

Laufzeit: 90 Min. / Freigabe: ungeprüft

DRAKAPA, DAS MONSTER MIT DER KRALLENHAND

BEAST OF BLOOD

USA, Philippinen 1971

Regie:

Eddie Romero

Darsteller:

John Ashley,

Celeste Yarnall,

Eddie Garcia,

Liza Belmonte,

Alfonso Carvajal,

Bruno Punzalan,

Angel Buenaventura,

Beverly Miller

Wer im Deutschland der 1970er Jahre das Lichtspielhaus aufsuchte, um seinen Feierabend mit DRAKAPA, DAS MONSTER MIT DER KRALLENHAND zu verbringen, der hat sich während der Sichtung vielleicht gewundert, dass inhaltlich kaum etwas Sinn ergibt. Einerseits lag das natürlich daran, dass hier inhaltlich tatsächlich kaum etwas Sinn ergibt. Andererseits – und das dürfte eher weniger bekannt gewesen sein – hatte man es aber auch mit einer Fortsetzung zu tun, deren Vorgänger auf bundesdeutschen Leinwänden gar nicht zu sehen war. Zahlreiche Zusammenhänge konnten sich einem daher gar nicht oder nur teilweise erschließen. Über die Gründe des Verleihers, den ersten Teil auszusparen, kann man nur spekulieren. Vielleicht wollte oder konnte man nur für ein einziges Blutspektakel Lizenzen zahlen und hielt BEAST OF BLOOD, wie die drollige Monster-Horror-Abenteuer-Mixtur eigentlich heißt, schlichtweg für vorzeigbarer.

Das dereinst unterschlagene Schauerstück trägt den sehr diskreten Titel MAD DOCTOR OF BLOOD ISLAND – auf gut Deutsch also so viel wie: Der Kloppi-Dok von Helgoland - und handelt vom Pathologen Bill Foster, der auf eine Südsee-Insel reist, um Nachforschungen über eine seltsame Krankheit anzustellen. Vor Ort trifft er auf den sinistren Dr. Lorca, der in Amtsformularen bei „Beruf“ mit Sicherheit „verrückter Wissenschaftler“ einträgt. Aus Gründen, die man wohl nur versteht, wenn man selbst nen Doktortitel hat, verbringt Lorca den Großteil seiner Freizeit damit, Einheimische in blutrünstige Mensch-Pflanz-Mutanten zu verwandeln, die dann – wer will es ihnen verübeln? – bevorzugt barbusige Schönheiten vernaschen. Im Wortsinne, versteht sich.

Hüpfende Möpse, fliegende Körperteile, grüne Blutsuppe – für manch Connaisseur schamlosen Tandwerks klingt das gewiss nach einer anständigen Kirmes. Aber im Endeffekt regiert Ernüchterung: Die Schauwerte machen gut fünf Minuten aus und der Rest ist so öde, da bleiben sogar die Cocktails ungerührt. Final kehrt Foster, zusammen mit seiner neuen Flamme, ihrem Vater und einem weiteren Typen, von dem man schon während des Films vergessen hat, wer das eigentlich ist, zurück aufs Schiff, um die Blutinsel für immer zu verlassen. Doch wie das im Horror-Genre halt so ist: Eine der Schreckgestalten hat überlebt, befindet sich an Bord und streckt unheilvoll ihre Hand unter der Abdeckplane eines Rettungsboots hervor. ENDE!

Beziehungsweise Anfang, denn genau da geht BEAST OF BLOOD los: Das Monster schlüpft aus seinem Versteck und richtet an Deck zu fröhlicher Beat-Musik ein Massaker an. Dabei fängt das Schiff Feuer und versinkt in den Tiefen der See. Nur Foster kann sich retten. Dieser Auftakt ist zwar effektiv, aber die Fragezeichen über den Köpfen des (deutschen) Betrachters dürften gigantisch gewesen sein. Eine sinnvolle Erklärung, warum sich Foster nach diesem Ereignis abermals auf das unheilvolle Eiland begibt, bleibt man im Übrigen ebenfalls schuldig. Aber vermutlich sollte man solche Fragen gar nicht stellen. Teile der Antwort könnten das Publikum verunsichern.

Inhalt:

Dr. Foster [John Ashley] befindet sich (mal wieder) auf einem Schiff Richtung 'Blutinsel' im Südpazifik. An Bord ist auch die kesse Reporterin Myra Russell [Celeste Yarnall], die Fosters vorherige Erlebnisse unbedingt zu einer Story verarbeiten möchte und ihm daher nicht mehr von der Seite weicht. Als sie das Festland erreichen, erfährt Foster, dass immer noch regelmäßig Einheimische verschwinden. Er vermutet seinen alten Rivalen Dr. Lorca [Eddie Romero] dahinter. Dieser gilt zwar als tot, ist allerdings tatsächlich noch am Leben, haust in einem geheimen Labor und entführt immer wieder Menschen, um den passenden Körper zum Kopf seiner Kreatur ‚Drakapa‘ zu finden.

Kritik:

Letzte Zweifel können an dieser Stelle ausgeräumt werden: BEAST OF BLOOD ist billiges Bahnhofs- und Autokinomaterial, wie es im Buche steht, eine auf Zelluloid gegossene Jahrmarktsattraktion, die Sensationen verspricht und Kehricht kredenzt. Was im Erscheinungsjahr womöglich noch die eine oder andere sensible Seele erschreckt hat, macht mittlerweile kein Schulkind mehr nervös. Dabei lieferte Autor und Regisseur Eddie Romero [→ FRAUEN IN KETTEN] in gewisser Hinsicht sogar eine Art Blaupause für spätere italienische Matschfeste wie ZOMBIES UNTER KANNIBALEN (1979), deren Zutaten hier bereits vorhanden sind: ein durchgeknallter Eierkopf, der auf einer augenscheinlich idyllischen Insel grausame Experimente durchführt, eine rätselhafte Seuche, welche die Menschen dahinrafft, verängstigte Inselbewohner, die zu Versuchskaninchen werden, und natürlich ein ebenso wackerer wie wenig aufregender Held, der den Tag retten muss.

Bei BEAST OF BLOOD allerdings haben Blutlüstlinge das Nachsehen, denn mehr noch als MAD DOCTOR OF BLOOD ISLAND ist der Nachfolger tatsächlich eher Abenteuer- als Horrorfilm, der bis auf ein paar kurze härtere Nummern (wie das berühmte Aufgespießtwerden auf Holzpflöcke am Höhlenboden oder eine an Schweinefleisch durchgeführte OP) auch gefahrlos im Nachmittagsprogramm laufen könnte. So stolpern die Hauptfiguren mal mehr, mal weniger motiviert durch dichte Dschungellandschaften und erleben so allerhand Episödchen, die sich in der Regel recht hurtig auch schon wieder in Wohlgefallen auflösen. Wahnsinnig aufregend ist das sicherlich nicht. Aber doch irgendwie ganz nett: Schlingpflanzen, Treibsand, Todesfallen – das komplette Marlboro-Country-Programm für einen angenehmen Feierabend. Dass in erster Linie alles dazu dient, die hauchdünne Handlung auf Gedeih und Verderb in die Länge zu ziehen, ist in seiner Offensichtlichkeit beinahe rührend.

Deutlich zu kurz kommt dabei allerdings die titelgebende Kreatur, die auch gar nicht so richtig brutal sein darf. Das ist freilich den Umständen geschuldet, existiert das Monster nach dem einleitenden Massaker doch nur noch als Kopf, der aufgespießt in Dr. Lorcas Labor dahinvegetiert und missmutig mit den Augen rollt. Es hat schon etwas Komisches, wenn der Doktor seine Schöpfung permanent zutextet und sich dabei mehrmals beklagt, dass sie nicht ein einziges Wort mit ihm wechseln möchte. Worüber will er denn mit der ollen Monsterrübe überhaupt sprechen? Übers Wetter? Schlechte Manieren kann man dem wahnsinnigen Weißkittel jedenfalls nicht vorwerfen, immerhin siezt er das Ding sogar ganz höflich - schon erstaunlich, wie viel Respekt man so einem zermatschten Schädel entgegenbringen kann. Als Draki dann am Ende tatsächlich zu sprechen anfängt, klingt er zu allem Überfluss auch noch, als wäre er von Roberto Blanco vertont worden.

"Jääääätzt wääärrrden wirrr uns untäärrrhalten, Lorrrcaaa!"

Das Finale bäumt sich dann noch mal richtig auf und gibt artig Zunder. Das liegt zwar nicht an Drakapa (dessen Amoklauf dauert hochgerechnet gerade einmal zwei Minuten), aber dafür wird fleißig mit Feuerwaffen, Dynamit sowie Pfeil und Bogen hantiert, was für ein anständiges Rambazamba sorgt.

Überraschend ist das engagierte Spiel der Darsteller. Vor allem John Ashley [→ SAVAGE SISTERS] gibt sich in seiner Hauptrolle tapfer seriös, ganz so, als wäre das alles kein bisschen bescheuert. Und obwohl auch hier einmal kurz ein Paar Hupen gelüftet wird, sind die weiblichen Inselbewohner erstaunlich emanzipiert bei der Sache: Als Myra nach Ankunft die erstbeste Insulanerin ablichten will, schlägt diese die Kamera zur Seite und meint harsch: "Wenn ich ein Foto haben will, sag’ ich Bescheid!"

So ist BEAST OF BLOOD am Ende gemütliche Unterhaltung, die einmal mehr von ihrem exotischen Inselflair profitiert. Das versprochene Nervenzerren bleibt aus, sodass auch sensiblere Gemüter keine schlaflose Nacht erleben werden. Warum der Untertitel Das Monster mit der Krallenhand lautet, ist allerdings ein Rätsel – die Greifer sind eigentlich noch mit das Normalste an der Kreatur. Aber Das Monster mit der Matschbirne hätte vermutlich deutlich weniger Publikum angezogen.

Laufzeit: 87 Min. / Freigabe: ungeprüft

AN SEINEN STIEFELN KLEBTE BLUT

NAVAJO JOE

Italien, Spanien 1966

Regie:

Sergio Corbucci

Darsteller:

Burt Reynolds,

Aldo Sanbrell,

Nicoletta Machiavelli,

Fernando Rey,

Tanya Lopert,

Franca Polesello,

Lucia Modugno,

Peter Cross

Inhalt:

USA, zweite Hälfte des 19. Jahrhunderts: Die Tötung von Indianern ist mittlerweile verboten. Der skrupellose Duncan [Aldo Sambrell] und seine Banditenbande lassen sich davon allerdings nicht beeindrucken und machen weiterhin Jagd auf Ureinwohner-Skalps. Nachdem sie eine komplette Siedlung vernichtet haben, sinnt Joe [Burt Reynolds], einziger Überlebender des Massakers, auf Rache. Als Duncans Männer einen Zug mit Bargeld-Reserven überfallen, dezimiert Joe die Bande erheblich und bringt das Fahrzeug eigenhändig ans Ziel. Dort bietet er den verängstigen Dorfbewohnern an, Duncan und seine Männer unschädlich zu machen. Diese weigern sich zunächst, sehen jedoch bald ein, dass sie keine andere Wahl haben – denn die verbliebenen Banditen sind bereits auf dem Weg ins Dorf, um das Geld doch noch an sich zu bringen. Joe heftet sich den Sheriffstern an die Brust und verspricht den Anwesenden, sie zu beschützen. Nach seiner Ankunft stellt Duncan fest, dass Joe das Geld versteckt hat. Um den geheimen Ort herauszupressen, beginnt die Bande einen Terror gegen die Bürger, den Joe zunächst nicht verhindern kann – er unterliegt seinen Widersachern und wird gefoltert. Doch mithilfe zweier Huren kann er sich befreien und schlägt zurück.

Kritik:

Im selben Jahr, in dem Regisseur Sergio Corbucci mit dem wegweisenden, weil grandios dreckigen DJANGO das Bild des Wildwestfilms nachhaltig veränderte, inszenierte er noch ein weiteres von ähnlich nihilistischer Stimmung geprägtes Werk, das von den Kritikern häufiger mal vergessen wird: NAVAJO JOE! Gleichfalls als düstere Abkehr von den bis dahin gängigen, heroischen Pferdeopern konzipiert, bediente man sich auch hier später zum Standard gewordenen Genre-Zutaten: Wind pfeift durch karge Felslandschaften, Sand knirscht unter den Stiefeln und Pulverdampf schwängert die Luft - eine trostlose Welt, in der Sitte und Anstand sich größtenteils verabschiedet haben. Bereits der Auftakt stellt diesbezüglich die Weichen: In einer beschaulichen Indianersiedlung geht alles seinen gewohnten Gang. Die Sonne scheint, die Pferde trinken, die Menschen gehen ihren Alltagsgeschäften nach. So auch eine junge Indianerin, die am Fluss sitzt und Felle glättet. Da erscheint ein Reiter, ein weißer Mann mit Sombrero. Er steigt vom Pferd; die Frau lächelt ihn arglos an. Er erwidert die Geste, zieht seinen Colt und knallt sie kommentarlos über den Haufen. Während daraufhin eine Bande marodierender Männer das Dorf überfällt und ein Massaker anrichtet, zieht der Mann ein Messer und skalpiert sein soeben erlegtes Opfer.

Das ist zwar fraglos ziemlich plump und klischeehaft, aber eben auch enorm effektiv: Der harte Umschwung von idyllischer Eintracht zu barbarischer Brutalität schockiert und involviert zudem auf Anhieb das Publikum. Spätestens, wenn der gewissenlose Sombrero-Träger seiner Beute mit beinahe begeistertem Blick die Kopfhaut abtrennt und wie eine makabre Trophäe in die Höhe hält, während auf der Tonspur ein mehrstimmiger, verstörender Klagegesang anschwillt, der sich final zu einem mitreißenden, den Vorspann untermalenden Orchesterstück emporschwingt, dann ist der eigene Alltag völlig vergessen und man ist mit Haut und Haaren Teil dieser apokalyptischen Vision. Dabei ist NAVAJO JOE inhaltlich weder neu noch kreativ: Einmal mehr geht es um den Drang nach blutiger Vergeltung. Denn der einleitende Massenmord hinterlässt einen Überlebenden, Titelheld Joe, dem es nun gehörig nach Genugtuung dürstet. Doch anstatt einfach zur Tat zu schreiten und in Schurkenkreisen aufzuräumen, vereitelt er zunächst lediglich einen Raubzug der Bande und lässt sich dafür von den Bürgern eines kleinen Dorfes zum Sheriff ernennen. Somit darf er die Täter jetzt also sogar im Namen des Gesetzes zur Strecke bringen – denn die Ermordung von Indianern ist laut novelliertem amerikanischen Recht eine Straftat.

So wird aus der eigentlich obligatorischen Rachenummer ein originelles, ja, regelrecht rebellisches Stück Kino. Immerhin ist dies einer der ersten Western, in dem ein indigener Charakter die Hauptrolle verkörpert. War der „Indianer“ auf der Leinwand bis dahin meist als ruchloser Meuchler in Erscheinung getreten, der den armen weißen Mann drangsaliert, agiert er hier als moralische Instanz, während der gutbürgerliche Amerikaner als überwiegend rassistischer und geldgeiler Feigling porträtiert wird. Diesen Perspektivwechsel lotet das Skript geradezu genüsslich aus. Durchtränkt von bissigen Seitenhieben wird hier das pessimistische Bild eines Amerikas gezeichnet, in dem Dinge wie Fremdenhass, Vorurteile und gewissenloses Streben nach Reichtum eine Selbstverständlichkeit darstellen. Bösewicht Duncan und seine Bagage besitzen ohnehin kaum noch menschliche Züge, aber auch bei den vermeintlich so anständigen Dorfbewohnern trudelt der moralische Kompass gar mächtig. Als die Eisenbahn ankommt, mit Leichen gefüllt und von Blut getränkt, gilt ihre größte Sorge dem Panzerschrank inklusive der in ihm enthaltenden Barschaft. Erst, als sie diese an Ort und Stelle vorfinden, macht sich Erleichterung breit: „Es ist alles in Ordnung. Wir haben Glück gehabt!“ Von den Toten redet keiner.

Als Joe den Posten des Gesetzeshüters verlangt, fallen die Anwesenden wenig überraschend aus allen Wolken. „Völlig ausgeschlossen“, meint einer, „ein Indianer als Sheriff? Das amerikanische Gesetz muss von Amerikanern geschützt werden.“ Joe erklärt daraufhin: „Mein Vater wurde hier geboren. Der Vater meines Vaters ebenfalls, genauso der Vater vom Vater meines Vaters. Wo wurde dein Vater geboren?“ „In Schottland“, antwortet sein verdattertes Gegenüber. „Dann bist du kein Amerikaner“, entgegnet Joe und niemandem mehr fällt etwas Passendes ein. In emotional effektiver Manier verlangt Joe von den Dörflern schließlich für jeden Banditen, den er Strecke bringt, einen Dollar. Das ist eine wunderbar-perfide Umkehr früherer Verhältnisse: Ein Dollar, das war der Preis, den zuvor ein Indianer-Skalp einbrachte – der vermeintliche Wert eines indigenen Menschenlebens. Zwar mag die wütende Abrechnung mit der bigotten US-Politik, die Völkermord erst verurteilt, sobald sie keinen Nutzen mehr daraus zu ziehen vermag, teilweise etwas platt anmuten, doch verfehlt sie ihre Wirkung nicht. Ausgerechnet die Huren, die außerhalb der etablierten Gesellschaft stehen, sind dann auch diejenigen, die sich einen letzten Rest Anstand bewahrt haben.

Als Titelhelden sieht man Burt Reynolds in seiner ersten wirklichen Hauptrolle. Authentisch in Sachen Herkunft wirkt das zwar nicht gerade (womöglich auch deswegen, weil der Schauspieler vor allem aufgrund späterer Figuren bekannt ist, die wirklich rein gar nichts mit dieser hier zu tun haben), aber er verkörpert Joe mit einer sehr einnehmenden Lässigkeit und der nötigen ehrfurchtgebietenden Physis. Der Umstand, dass man Reynolds eigentlich mit ganz anderen Rollen assoziiert (nicht wenige davon aus dem Komödienbereich), passt im Nachhinein sogar zwar ungewollt, aber nichtsdestotrotz fabelhaft ins Konzept, geziemt sich das Gesamtwerk letztendlich doch ähnlich eigen wie dessen unkonventionelle Protagonistenbesetzung. Reynolds selbst allerdings fand keine guten Worte für sein Debüt, meinte sogar, es sei so miserabel, dass man es nur in Flugzeugen und Gefängnissen zeigen dürfe, weil man von dort nicht fliehen könne. Woher sein Unmut rührte, erschließt sich einem null, und niemals darf vergessen werden, dass dies derselbe Mann gesagt hat, der 1983 für DER RASENDE GOCKEL in ein Hühnerkostüm kroch und das für eine gute Idee hielt.

Als Antagonist agiert Aldo Sambrell [→ TÖTE, AMIGO] als wahrhaft hassenswerte Drecksau, dem ein Menschenleben nichts bedeutet. Bereits seine offensichtliche Verzückung beim Entfernen der Indianerkopfhaut in der Eingangssequenz macht klar, dass es ihm beim Skalpieren nur zweitrangig um die Belohnung geht: Duncan zieht Erfüllung aus dem Töten. Später ermordet er eigenhändig eine junge Mutter vor den Augen ihres Sohnes - vorgeblich, um eine Zeugin loszuwerden, in Wahrheit jedoch, so ist anzunehmen, aus purem Lustgewinn. „Meine Mutter war eine Indianerin, darum hasse ich die Indianer. Und ich hasse die Weißen, weil mein Vater einer war“, sagt er an einer Stelle, was impliziert, dass seine Mordlust aus reinem Selbsthass resultiert. Psychologisch erscheint das sehr simpel und es erklärt irgendwie auch nichts. So ist Duncans Figur wesentlich stereotypischer geraten, nicht zuletzt auch wegen des klischeehaften Spiels Sambrells. Dass seine deutsche Synchronstimme etwas unpassend ausgewählt wurde, dafür kann er ja nichts.

Apropos Deutsch: Aus irgendwelchen Gründen fürchteten sich die Verleiher der Bundesrepublik jahrelang vor dem Originaltitel. In den Kinos lief NAVAJO JOE zunächst als AN SEINEN STIEFELN KLEBTE BLUT, auf Videokassette nannte sich die Nummer dann plötzlich KOPFGELD: EIN DOLLAR. Beide Titel sind zwar passend, aber warum man sich bis zum digitalen Zeitalter um die originale Namensgebung herumdrückte, ist schon eine berechtigte Frage. Ganz gleich jedoch, unter welchem Banner man sie sich zu Gemüte führt: Corbuccis vor Wut schnaubende Rachemär ist ein schmutziges Glanzlicht, welches das Genre zwar nicht so beeinflusste wie DJANGO, sich aber keinesfalls hinter diesem zu verstecken braucht. Und der schmissige Titelsong von Ennio Morricone [→ TOP JOB] geht einmal mehr ins Ohr. Und bleibt auch dort.

Laufzeit: 92 Min. / Freigabe: ab 18